David Bowie, il cantautore infinitamente mutevole e fieramente lungimirante che ha insegnato a generazioni di musicisti il potere del dramma, delle immagini e dei personaggi, è morto domenica, due giorni dopo il suo 69° compleanno.
La sua morte è stata confermata dal suo pubblicitario, Steve Martin, lunedì mattina. Non sono stati forniti altri dettagli.
Bowie era stato curato per il cancro negli ultimi 18 mesi, secondo una dichiarazione sui suoi account di social media. “David Bowie è morto pacificamente oggi, circondato dalla sua famiglia”, si legge in un post sulla sua pagina Facebook.
Il suo ultimo album, “Blackstar”, una collaborazione con un quartetto jazz che era tipicamente enigmatico ed esplorativo, è stato pubblicato venerdì – il suo compleanno. Sarà omaggiato con un concerto alla Carnegie Hall il 31 marzo con i Roots, Cyndi Lauper e i Mountain Goats.
Aveva anche collaborato ad un musical Off Broadway, “Lazarus”, che era un sequel surreale del film del 1976 che presentava il suo ruolo definitivo sullo schermo, “The Man Who Fell to Earth”.
Bowie scriveva canzoni, soprattutto, sull’essere un outsider: un alieno, un disadattato, un avventuriero sessuale, un astronauta lontano. La sua musica era sempre una miscela mutevole – rock, cabaret, jazz e quello che lui chiamava “plastic soul” – ma era soffusa di anima genuina. Ha anche catturato il dramma e la nostalgia della vita quotidiana, abbastanza per dargli hit pop n. 1 come “Let’s Dance”.
I successi di David Bowie
Nei concerti e nei video, i costumi e le immagini di Bowie hanno attraversato stili, epoche e continenti, dall’espressionismo tedesco alla commedia dell’arte, dai kimono giapponesi alle tute spaziali. Ha dato un esempio, e una sfida, per ogni spettacolo nell’arena al suo seguito.
Se aveva un inno, era “Changes”, dal suo album del 1971 “Hunky Dory”, che proclamava:
Girati e affronta lo strano,
Ch-ch-changes,
Oh, attenti ora, voi rock and rollers,
Molto presto invecchierete.
Bowie si è guadagnato l’ammirazione e l’emulazione in tutto lo spettro musicale, da rocker, balladers, punk, hip-hop acts, creatori di spettacoli pop e persino compositori classici come Philip Glass, che ha basato due sinfonie sugli album di Bowie “Low” e “Heroes”.
Il personaggio di Bowie, in costante trasformazione, è stato una pietra di paragone per artisti come Madonna e Lady Gaga; la sua determinazione a rimanere contemporaneo ha introdotto i suoi fan al funk di Philadelphia, alla moda giapponese, all’elettronica tedesca e alla musica dance drum-and-bass.
I Nirvana hanno scelto di cantare “The Man Who Sold the World”, la canzone che dà il titolo all’album di Bowie del 1970, nel suo breve set per “MTV Unplugged in New York” nel 1993. “Under Pressure”, una collaborazione con il gruppo glam-rock Queen, ha fornito una linea di basso per la hit di Vanilla Ice del 1990 “Ice Ice Baby”.
Eppure, durante le metamorfosi del signor Bowie, era sempre riconoscibile. La sua voce era ampiamente imitata ma sempre sua; il suo messaggio era che c’era sempre empatia oltre la differenza.
L’angoscia e l’apocalisse, i media e la paranoia, la distanza e lo struggimento erano tra i temi di Bowie per tutta la vita. Così come l’inclinazione alla trasgressione unita alla determinazione di spingere i gusti di culto verso il mainstream.
Copertura del Times sulla morte di David Bowie
Bowie produsse album e scrisse canzoni per alcuni dei suoi idoli – Lou Reed, Iggy Pop, Mott the Hoople – che diedero loro successi pop senza fargli abbandonare la loro individualità. E ha collaborato con musicisti come Brian Eno durante il periodo della fine degli anni ’70 che sarebbe diventato noto come i suoi anni berlinesi e, nelle sue ultime registrazioni, con i musicisti jazz Maria Schneider e Donny McCaslin, facendoli conoscere a molti nuovi ascoltatori.
Il signor Bowie era una persona che si reinventava senza sosta. Emerse alla fine degli anni ’60 con la voce di un cantante rock ma con la sensibilità di un cantante di cabaret, immerso nelle dinamiche dei musical da palcoscenico.
Era il Maggiore Tom, l’astronauta perduto nel suo successo del 1969 “Space Oddity”. Era Ziggy Stardust, la pop star ultraterrena al centro del suo album del 1972, “The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders From Mars”.
Era l’autodistruttivo Thin White Duke e la voce minimalista ma sentita dei tre album che registrò a Berlino negli anni ’70.
L’arrivo di MTV negli anni ’80 fu il complemento perfetto per il senso di teatralità e di moda del signor Bowie. “Ashes to Ashes”, il seguito di “Space Oddity” che rivelava: “Sappiamo che il maggiore Tom è un drogato”, e “Let’s Dance”, che proponeva: “Mettiti le scarpe rosse e balla il blues”, gli diedero una popolarità mondiale.
Bowie era il portabandiera della sua generazione per il rock come teatro: qualcosa di costruito e gonfiato ma sincero nel suo artificio, che diceva più di quanto potesse fare il naturalismo. Con una voce che scendeva al baritono e saltava nel falsetto, era complessivamente androgino, un esploratore di impulsi umani che non potevano essere quantificati.
Spingeva anche i limiti della “Moda” e della “Fama”, scrivendo canzoni con quei titoli e riflettendo profondamente sulle possibilità e i limiti della fama pop.
Pietre miliari della carriera di David Bowie
Bowie è stato sposato per più di 20 anni con la modella internazionale Iman, con la quale ha avuto una figlia, Alexandria Zahra Jones. Essi gli sopravvivono, così come suo figlio dal suo matrimonio con l’ex Mary Angela Barnett, Duncan Jones, un regista meglio conosciuto per il film del 2009 “Moon”.
In un post su Twitter, il signor Jones ha detto: “Molto dispiaciuto e triste dire che è vero. Sarò offline per un po’. Con affetto a tutti”.
David Robert Jones era nato a Londra l’8 gennaio 1947, dove da giovane ha assorbito il rock ‘n’ roll. Ha preso il sassofono negli anni ’60 e ha iniziato a dirigere band da adolescente, cantando il blues in una successione di gruppi e singoli senza successo. Subì un colpo in una rissa adolescenziale che gli causò una dilatazione permanente della pupilla sinistra.
Alla fine degli anni ’60, Lindsay Kemp, un ballerino, attore e mimo, divenne un’influenza duratura sul signor Bowie, concentrando il suo interesse nel movimento e nell’artificio. La musica di Bowie si orienta verso il folk-rock e la psichedelia. L’uscita di “Space Oddity”, poco prima che la missione Apollo 11 portasse gli uomini sulla luna nel 1969, gli fece guadagnare un pubblico pop britannico e, quando fu ripubblicato nel 1973 negli Stati Uniti, uno americano.
A quel punto, con gli album “Hunky Dory”, “The Rise and Fall of Ziggy Stardust and the Spiders From Mars” e “Aladdin Sane”, Bowie era diventato un pioniere del glam rock e una grande star in Gran Bretagna, giocando su un’immagine androgina. Ma aveva anche difficoltà a separare i suoi personaggi sul palco dalla vita reale e soccombeva a problemi di droga, in particolare l’uso di cocaina. Nel 1973, annunciò bruscamente il suo ritiro – anche se era il ritiro di Ziggy Stardust, non del signor Bowie.
Si trasferì negli Stati Uniti nel 1974 e fece “Diamond Dogs”, che includeva la hit “Rebel Rebel”. Nel 1975, si orientò verso il funk con l’album “Young Americans”, registrato principalmente a Philadelphia con collaboratori, tra cui un giovane Luther Vandross. John Lennon si unì a Bowie per scrivere e cantare la hit “Fame”. L’album di Bowie del 1976 “Station to Station” produsse altri successi, ma i problemi di droga stavano rendendo Bowie sempre più instabile; nelle interviste, fece dichiarazioni pro-fasciste che presto avrebbe rinnegato.
Per cambiare radicalmente ambiente e per allontanarsi dalla droga, Bowie si trasferì nel 1976 in Svizzera e poi a Berlino Ovest, parte di una città divisa con un suono che lo affascinava: il Krautrock di Kraftwerk, Can, Neu! e altri gruppi. Bowie condivise un appartamento a Berlino con Iggy Pop, e aiutò a produrre e scrivere canzoni per due album di Iggy Pop, “The Idiot” e “Lust for Life”.
Bowie, dalle pagine passate del Times
Ha anche fatto quella che di solito viene chiamata la sua trilogia berlinese – “Low”, “Heroes” e “Lodger” – lavorando con il signor Eno e il collaboratore del signor Bowie per decenni, il produttore Tony Visconti. Usavano l’elettronica e metodi sperimentali, come far suonare ai musicisti strumenti sconosciuti, eppure canzoni come “Heroes” trasmettevano romanticismo contro le probabilità più tristi.
All’inizio degli anni ’80, Bowie si dedicò al teatro dal vivo, esibendosi in diverse città (compresa una corsa a Broadway) nell’impegnativo ruolo principale di “The Elephant Man”. Tuttavia, in quel decennio avrebbe anche raggiunto il suo apice come musicista pop mainstream, in particolare con il suo album del 1983 “Let’s Dance”, che produsse con Nile Rodgers degli Chic; anche il chitarrista blues texano Stevie Ray Vaughan suonò sull’album. Nel 1989 Bowie era determinato a cambiare di nuovo; registrò, senza il primo posto in classifica, come membro del gruppo rock Tin Machine.
I suoi esperimenti continuarono negli anni ’90. Nel 1995, si riunì con Eno in un album, “1. Outside”, influenzato dalla fantascienza e dal film noir, che doveva essere l’inizio di una trilogia. Bowie andò in tour con i Nine Inch Nails in un concerto innovativo in cui la sua band e i Nine Inch Nails si fusero a metà strada. L’album di Bowie del 1997, “Earthling”, si orientò verso la musica dance elettronica dell’epoca.
Nel 21° secolo, Bowie era un anziano statista. Era stato inserito nella Rock and Roll Hall of Fame nel 1996. Nel 2001, ha cantato “Heroes” al Concerto per New York City dopo gli attacchi dell’11 settembre.
Il suo ultimo tour, dopo l’uscita del suo album “Reality”, finì quando ebbe problemi di cuore nel 2004. Ma ha continuato a dare il suo imprimatur a gruppi più recenti come gli Arcade Fire, unendosi a loro sul palco, e i TV on the Radio, aggiungendo voci di supporto in studio.
Nel 2006, eseguì tre canzoni in pubblico per quella che sarebbe stata l’ultima volta, alla raccolta di fondi Keep a Child Alive Black Ball all’Hammerstein Ballroom di New York.
I suoi ultimi album furono uno sguardo indietro e una nuova escursione. “The Next Day”, uscito nel 2013, è tornato a qualcosa di simile al suono glam-rock dei suoi gruppi di chitarra degli anni ’70, per nuove canzoni soffuse di amari pensieri sulla mortalità. E “Blackstar”, uscito due giorni prima della sua morte, lo vedeva sostenuto da un volatile quartetto a base di jazz, in canzoni che contemplavano fama, spiritualità, lussuria, morte e, come sempre, trasformazioni sorprendenti.
Una versione precedente di questo necrologio si riferiva erroneamente al gruppo con cui Bowie ha collaborato in “Blackstar”. Si tratta di un quartetto jazz, non di un quintetto.
